Sabine Marcelis 的色彩

我们第一次见面是在 2014 年，那时候我就在你身上感受到准备征服世界的气势。那时候你有什么计划吗？

最初我就是想设计值得收藏的作品。本着这样的想法，我全无拘束地进行各种尝试。最初几年我自己包办全部工作，业务一忙起来就必须招聘实习生，很快我的角色就成了工作室经理。工作室大了、人手多了，我才有余裕拓展视野。很早我就意识到自己的强项在于跟其他公司协作，靠他们的专业能力来处理材料和生产事宜。比如 S.T.R.S. 吧！他们负责为我制作所有树脂作品。

那时候你已经建立自己的工作室了吗？ 

我的第一个工作室非常宽敞，位置在鹿特丹港的老区，颇有田园意味。大归大，工作室相当破旧。屋子天花板上灰泥堆塑的装饰天使像都快脱落了，我们不得不用木条固定起来，否则它们恐怕会掉下来砸在我们身上！早期那几年我主要给艺术家和时尚设计师打工，学习他们如何把创意转化成作品。我很喜欢钻研他们的想法和思路。 

你的工作和时尚设计师之间有交集吗？ 

我们的工作性质都是用有限的材料种类来制造最大的效果嘛。时尚设计师用剪影、层叠、打褶之类的手法来表达创意。树脂和夹层玻璃是我主要使用的材料，我一直想方设法，尝试用同样的材料表现出更多的想法。例如能不能把树脂做得更大、玻璃板成形后能不能打弯。或者，有时候我需要突出光线的反射，就要用造型来达到最佳效果。造型也是一种工具，用来塑造材料实现的效果。  

说到光效，我在你的 Instagram 账号上看到几张非常震撼的照片，是隔着飞机窗户拍摄的天空。 

大自然是我最主要的灵感来源。云朵可以呈现出惊人的效果，夕阳有时候可能有超现实的质感。静水上的一道波纹、光线透过材料投下的影子，处处都蕴含着大自然的奇观。雪也是，它拥有难以想象的纹理。从前我经常去滑雪。阴天时我会戴上红色的护目镜，这样可以增加视野的深度。那种超现实的体验，我很喜欢。

说到这个，我就想起你的某些作品…… 

我的存在就是不断积累的各种体验。自从发现材料的特质会影响视觉观感，我就开始把这些原理应用在设计作品里。举个例子，叫做“光之图腾柱”（Light Totem）的灯具系列就是在堆叠的半透明粉色树脂块中间插入一条霓虹管。树脂块之间有扭曲角度，从外面看来，同一条光带在每个方块里呈现的效果都不一样。简单的形状、简单的手法，却得到了最大化的效果。我一直努力寻找的就是这种张力。 

德国画家 Josef Albers 让他的学生们收集各种颜色的碎纸，积攒成自己的颜色集。你也有颜色集吗？ 

我非常理解色彩的原理，以及各种颜色之间的交互效果。我在设计上的决定是基于个人经验和知识，但是做项目时也经常听从心里的感觉。  

你的作品《Color Rush!》《Color Rush》是 Sabine Marcelis 的装置艺术作品，目前在 Vitra 设计博物馆展出，到 2024 年 5 月为止。感觉你好像把他们的所有展品做成了一个巨型调色盘。这是你的创意吗？ 

Vitra 设计博物馆的馆长 Mateo Kries 先生问我能不能给他们的展品找到一种新的布展方式，不要按年代分组排序。在我看来，不按年代，理所当然就要按颜色啊。整个展览的布局是个巨大的圆形色盘。所有相配的颜色两两组合，黄和紫、绿和红、蓝和橙，另外当然还有灰、黑、棕、白。一般来说，每个布展方案背后都蕴藏着大量的学术研究，创意要大、论文要长。我不喜欢那种工作方式。简单、强烈、果断，这才是我的风格。我的作品描述最多也不超过三句话。当时我的想法就是把所有意义从展品上剥离，只剩下颜色这一个属性。这么干可能不够学院派吧，但是实际效果非常好。新的布展方式创造了一系列让人意想不到的关联感，打破了制造方法、风格、时代之类的藩篱。一个架子上摆满了各种各样的椅子，它们全是同一种颜色。这样的视觉呈现可以让人静心欣赏细节。更何况同一组展品，颜色也不尽相同。就说椅子的漆吧，有些作品把颜色融入到材料里面，有的颜色在衬布上。

Vitra 设计博物馆的策展人 Nina Steinmüller 和 Susanne Graner 反响如何？ 

她们发现我这个人的风格就是这样，想去干预也没有用。两位策展人对博物馆的藏品了如指掌，给我提供了很多关于色盘、颜色理论、艺术家、设计师之类的信息，给布展额外增加了一层深度。我做的贡献就是我的色盘设计。这个例子应该可以诠释我的理念：在给定的材料之内，用颜色来做文章。  大概这就是我颜色理论吧，材料之内的颜色。为展览做的每一种颜色，我们都在工作室里保留了一份副本，时不时拿来做参照。现在这些颜色已经成了一套新工具。 

你的作品规模大小不一，大到建筑，小到耳环。颜色是可以缩放的吗？ 

材料能做到多大，颜色就可以有多大。我觉得最主要的制约因素就是生产制作。夹层玻璃之间的色片是用打印机制作的。打印机能输出多宽的画幅，尺寸极限就是那么大。举个例子，我为巴塞罗那德国馆（Mies van der Rohe Pavilion）做过一套名为《No Fear of Glass》的作品，作品规模就是受到打印机输出宽度的限制。  

这些年来，你的用色习惯有过改变吗？ 

不好说。同样的颜色看太多了我会烦。有一阵什么都流行用柔粉色，所以我就推掉了一些委托。对于某些颜色，我是有极限的。 

你的作品中形状都很刚硬，但是用色很柔和。这是一种平衡补偿的手法吗？ 

我的作品需要张力。如果一味的柔美，就没意思了。颜色要是过于喧嚣，会让观众受不了。我追求的是一种平衡感。  

来讲讲甜甜圈这个形状吧，你的作品里到处都有。 

哈哈哈！他们都以为我是什么吃甜甜圈魔人。其实我对甜甜圈根本没兴趣。但是它作为一种形状就很有趣。有里面、有外面，但是没有起点和终点。我喜欢用不同的材料反复塑造同一种形状，这样可以突出材料的特质。甜甜圈刚好是种非常理想的形状。

你用毛线甜甜圈编过地毯，此外还有玻璃甜甜圈，还给瑞典品牌 Hem 做过甜甜圈坐垫。 

用多种材料制作同样的形状，更能显出每种材料的特质。我会根据功能来决定具体选用哪种材料。举例来说，我给宜家设计的碗是透明的，可以一眼就看到里面。我需要它发出柔和的微光，所以就选用了琥珀色玻璃。但是做过这么多甜甜圈，我能用的材料已经快用完啦……  

Hem 的甜甜圈坐垫没有线缝，真了不起。 

没错！这就是设计的魅力。精巧的设计可以让日常的物件与众不同。甜甜圈上不可以让人看到线缝，否则就落了下乘了。在我而言，制作字面意义上“天衣无缝”的作品很有挑战性。简单的形状和完美执行的极简主义设计，这两者之间还是有区别的。我在设计作品时追求一种浑然天成的感觉。 

那么说来，你和 Achille Castiglioni 的设计风格截然相反，他的作品里细节是重头戏。 

我非常欣赏他的设计风格和完美的细节，但我不知道怎么去模仿他，也没有模仿的意愿。我的风格是把所有细节全部剥离，强调本质。 

你设计作品都是从剥离开始吗？ 

不总是。我的作品都是静态物件，但是里面必须有动态的神韵。我会诱导观众自己去走动、围绕着作品欣赏。作品的形状和效果不可以过于直白、让人一眼就看透。必须诱发观众的好奇心，产生互动的关系。  

你的理念方法会根据作品的规模而改变吗？  

作品规模越大，我就越觉得必须调动观众的感官。但是我不会去碰沉浸式空间啊、显示屏啊之类强烈刺激所有感官的媒介。我宁可选择一两种感官，然后深入挖掘。 

就是说你考虑过视觉之外的其他感官吗？你的作品现在看起来就很有味觉刺激。是不是考虑跟蛋糕师合作一下…… 

真巧……我刚好有个跟食物相关的作品要在今年的米兰国际家具展上亮相。另外 Instagram 上还有个网红糕点师仿照我的几件作品制作了一些很棒的蛋糕。我的作品能成为别人的灵感之源，太酷了。不过我本人的厨艺实在不怎么样。 

但是你很擅长与人合作。

我欢迎各种各样的合作机会。在我看来，人生最美好的事就是有机会认识各种有趣的人，跟他们一同工作，各自发挥自己擅长的技能。如果有机会跟音乐家、科学家合作也很好，我全都欢迎！